Escenarios del Mundo https://escenariosdelmundo.com/ Festival emblemático del Ecuador Thu, 12 Sep 2024 13:06:23 +0000 es hourly 1 https://wordpress.org/?v=7.0.2 https://escenariosdelmundo.com/wp-content/uploads/2025/09/cropped-FLATICON-32x32.png Escenarios del Mundo https://escenariosdelmundo.com/ 32 32 LA DOBLE Y ÚNICA… Apuesta de Deus Ex Machina https://escenariosdelmundo.com/la-doble-y-unica-mujer/ https://escenariosdelmundo.com/la-doble-y-unica-mujer/#respond Thu, 12 Sep 2024 12:17:53 +0000 https://escenariosdelmundo.com/?p=3798 Colaboración de Genoveva Mora, revista El Apuntador LA DOBLE Y ÚNICA… Apuesta de Deus Ex Machina Pablo Palacio… Palacio ese nombre grande que dejó en nuestras letras, no solamente una huella, sino una enorme pregunta. Lo leímos siempre como el vanguardista, el brillante y atrevido narrador que hizo tambalear la pacata moral, la recta y binaria concepción de género; el statu quo de la religión y la mismísima literatura. No es este el espacio para recordar la incomprensión, porque no decirlo, la miopía de algunos de sus pares, que por fortuna se quedó en anécdota, porque lo que sobre este singularísimo autor se ha estudiado es mucho, aquí, y alrededor del mundo. https://youtu.be/otngBWz2O4I Leer a Palacio ha sido siempre un desafío, porque a pesar de los sesudos análisis, o por ellos mismos, constituía una apuesta personal dejarnos llevar por lo que sus textos provocaban. Por ende, llevarlo a escena, multiplica el reto y creo sin lugar a dudas que este elenco, que para esta obra conforma Deus ex machina, lo ha conseguido con exuberancia. Sebastián Cattán, director y dramaturgo, re-escribe el texto, junto a Andrés Noboa, cuya pluma y batuta inscriben y escriben la música, interpretada con mucha gloria por Tadeo Gangotena, ellos son parte de la estructura de un trabajo que completan y construyen Alfredo Espinosa -el mayordomo- un personaje cuya presencia habla de la atmósfera que confina a quienes habitan la casa. Maya Villacreses, “doble y única”, hace gala de una actuación verdaderamente contundente, Maya es una actriz que ha venido creciendo y, desde mi punto de vista, en esta obra alcanza su clímax. Caymo Pizarro -la madre- despliega su experiencia e impacta con un lenguaje corporal que dice más que sus palabras y, sobre todo, lo vemos como la expresión profunda de un ser que se debate entre el afuera y sus más secretos resentimientos. Charlie Calvache -el padre- el hombre presente por su ausencia, eleva su potente voz y su silencio es un grito de impotencia. Christian Valle -el médico- un puntal en el sarcástico y esporádico humor de la obra. Diego Andrés Paredes – Arturo-pretendiente de la “doble y única…”-, una pieza que por oposición acentúa la dualidad de la protagonista. Las criadas: Natalia Luzuriaga, Beth Egnatoff y Cecilia Dávila, son las voces que dan el ‘tono alto’, rebosan el ambiente y sacan al espectador de la línea trágica, momentáneamente, porque el efecto producido por su lírica presencia tiene una especie de rebote en nuestro ánimo y nos regresa de inmediato al centro de esta profunda y trágica historia. Marco Gangotena He visto a esta doble y única mujer en dos escenarios, primero en Malayerba, donde la escenografía construyó una perspectiva mucho más profunda y, al mismo tiempo distante, allí el drama parecía ocurrir a un ritmo más lento y lejano, sin embargo, atrapaba y conseguía volvernos casi una pieza más de ese tablero complejo y enigmático. Definitivamente, confirmamos que el espacio tiene incidencia absoluta en el texto escénico. En Casa Humboldt vivimos la tragedia como si la tuviéramos en casa; casi podíamos palpar el dolor, la ira, la impotencia que emana de los personajes, acentuada con la voz de un piano que (en ambas versiones) se erige también como un personaje atento que eleva o acalla su voz, no siempre al unísono con los diálogos y silencios en la escena, y es ahí donde su autonomía resuena para enseguida volver ser parte de la historia que transcurre. De igual modo, en ambas propuestas nos emocionamos con la ternura y frustración del personaje extra-ordinario. La doble y única mujer. Maya Villacreses, Alfredo Espinosa La doble y única mujer ha sido más que eso, ha producido multiplicidad de lecturas, interpretaciones y reacciones, la mayoría apegadas a esa duplicidad física, porque en el cuento se explicita y reafirma la condición inclusive en el mobiliario, sostén imprescindible para el personaje; por eso no podemos dejar de construir en nuestro imaginario a esa mujer(es) siamesas, distintas e iguales, que sostienen una lucha perenne. Sensación que se transforma cuando vemos la puesta en escena y la interpretación del dramaturgo y su elenco que van un paso más allá. Construye el personaje principal y pone ante nosotros una mujer doble, cuya aspecto y atuendo sugiere todo el tiempo que el doblez es insondable; y lo admirable está en que la palabra asoma como resonancia del gesto, el cuerpo como cadencia y recipiente de una vivencia indescifrable en búsqueda constante de respuestas que nunca van a llegar. La doble y única mujer. Caymo Pizarro, Cristian Valle Cada cuerpo en la escena es una nota de esta partitura verbal y corporal que sostiene la representación, esta, que expande el límite convencional del teatro y atraviesa la frontera del musical de una manera muy particular -otro de los aciertos de la puesta-, la voz se eleva para intensificar el diálogo, para subir o bajar el registro de un drama que envuelve a más de un personaje. Y, precisamente, los personajes son, asimismo, producto de esta re-escritura del cuento de Palacio, amplían la posibilidad dramática; si pensamos que el original, un cortísimo cuento que, muy a lo Cortázar ‘noquea’ al lector, acá en el mundo teatral alarga los rounds y hace del espectador un actor más que, a ratos se compadece, otros arremete (mentalmente), y en general se conmociona de dramática manera. La doble y única mujer. Charlie Calvache De hecho, pienso que la clave está en la creatividad de la adaptación, en el juego intertextual que aporta cuerpo y volumen a la propuesta de Cattán, sostenida, indiscutiblemente en la música de Noboa y en la impecable participación de cada uno de los artistas que dan cuenta y contribuyen en este trabajo. La doble y única mujer. Natalia Luzuriaga, Beth Egnatoff y Cecilia Dávila, La doble y única mujer, hecha teatro, quedará en la retina de quienes la vimos como una de las memorables propuestas teatrales contemporáneas. FICHA TÉCNICA Deus Ex Machina Dirección: Andrés Noboa y Sebastián Cattán Dramaturgia y música: Andrés Noboa y Sebastián Cattán Mujer: Maya Villacreses Madre: Caymo Pizarro Mayordomo:

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Colaboración de Genoveva Mora, revista El Apuntador

LA DOBLE Y ÚNICA… Apuesta de Deus Ex Machina

Pablo Palacio… Palacio ese nombre grande que dejó en nuestras letras, no solamente una huella, sino una enorme pregunta. Lo leímos siempre como el vanguardista, el brillante y atrevido narrador que hizo tambalear la pacata moral, la recta y binaria concepción de género; el statu quo de la religión y la mismísima literatura. No es este el espacio para recordar la incomprensión, porque no decirlo, la miopía de algunos de sus pares, que por fortuna se quedó en anécdota, porque lo que sobre este singularísimo autor se ha estudiado es mucho, aquí, y alrededor del mundo.

Leer a Palacio ha sido siempre un desafío, porque a pesar de los sesudos análisis, o por ellos mismos, constituía una apuesta personal dejarnos llevar por lo que sus textos provocaban. Por ende, llevarlo a escena, multiplica el reto y creo sin lugar a dudas que este elenco, que para esta obra conforma Deus ex machina, lo ha conseguido con exuberancia. Sebastián Cattán, director y dramaturgo, re-escribe el texto, junto a Andrés Noboa, cuya pluma y batuta inscriben y escriben la música, interpretada con mucha gloria por Tadeo Gangotena, ellos son parte de la estructura de un trabajo que completan y construyen Alfredo Espinosa -el mayordomo- un personaje cuya presencia habla de la atmósfera que confina a quienes habitan la casa. Maya Villacreses, “doble y única”, hace gala de una actuación verdaderamente contundente, Maya es una actriz que ha venido creciendo y, desde mi punto de vista, en esta obra alcanza su clímax. Caymo Pizarro -la madre- despliega su experiencia e impacta con un lenguaje corporal que dice más que sus palabras y, sobre todo, lo vemos como la expresión profunda de un ser que se debate entre el afuera y sus más secretos resentimientos. Charlie Calvache -el padre- el hombre presente por su ausencia, eleva su potente voz y su silencio es un grito de impotencia. Christian Valle -el médico- un puntal en el sarcástico y esporádico humor de la obra. Diego Andrés Paredes – Arturo-pretendiente de la “doble y única…”-, una pieza que por oposición acentúa la dualidad de la protagonista. Las criadas: Natalia Luzuriaga, Beth Egnatoff y Cecilia Dávila, son las voces que dan el ‘tono alto’, rebosan el ambiente y sacan al espectador de la línea trágica, momentáneamente, porque el efecto producido por su lírica presencia tiene una especie de rebote en nuestro ánimo y nos regresa de inmediato al centro de esta profunda y trágica historia.

Marco Gangotena

He visto a esta doble y única mujer en dos escenarios, primero en Malayerba, donde la escenografía construyó una perspectiva mucho más profunda y, al mismo tiempo distante, allí el drama parecía ocurrir a un ritmo más lento y lejano, sin embargo, atrapaba y conseguía volvernos casi una pieza más de ese tablero complejo y enigmático. Definitivamente, confirmamos que el espacio tiene incidencia absoluta en el texto escénico. En Casa Humboldt vivimos la tragedia como si la tuviéramos en casa; casi podíamos palpar el dolor, la ira, la impotencia que emana de los personajes, acentuada con la voz de un piano que (en ambas versiones) se erige también como un personaje atento que eleva o acalla su voz, no siempre al unísono con los diálogos y silencios en la escena, y es ahí donde su autonomía resuena para enseguida volver ser parte de la historia que transcurre. De igual modo, en ambas propuestas nos emocionamos con la ternura y frustración del personaje extra-ordinario.

La doble y única mujer. Maya Villacreses, Alfredo Espinosa

La doble y única mujer ha sido más que eso, ha producido multiplicidad de lecturas, interpretaciones y reacciones, la mayoría apegadas a esa duplicidad física, porque en el cuento se explicita y reafirma la condición inclusive en el mobiliario, sostén imprescindible para el personaje; por eso no podemos dejar de construir en nuestro imaginario a esa mujer(es) siamesas, distintas e iguales, que sostienen una lucha perenne. Sensación que se transforma cuando vemos la puesta en escena y la interpretación del dramaturgo y su elenco que van un paso más allá. Construye el personaje principal y pone ante nosotros una mujer doble, cuya aspecto y atuendo sugiere todo el tiempo que el doblez es insondable; y lo admirable está en que la palabra asoma como resonancia del gesto, el cuerpo como cadencia y recipiente de una vivencia indescifrable en búsqueda constante de respuestas que nunca van a llegar.

La doble y única mujer. Caymo Pizarro, Cristian Valle

Cada cuerpo en la escena es una nota de esta partitura verbal y corporal que sostiene la representación, esta, que expande el límite convencional del teatro y atraviesa la frontera del musical de una manera muy particular -otro de los aciertos de la puesta-, la voz se eleva para intensificar el diálogo, para subir o bajar el registro de un drama que envuelve a más de un personaje. Y, precisamente, los personajes son, asimismo, producto de esta re-escritura del cuento de Palacio, amplían la posibilidad dramática; si pensamos que el original, un cortísimo cuento que, muy a lo Cortázar ‘noquea’ al lector, acá en el mundo teatral alarga los rounds y hace del espectador un actor más que, a ratos se compadece, otros arremete (mentalmente), y en general se conmociona de dramática manera.

La doble y única mujer. Charlie Calvache

De hecho, pienso que la clave está en la creatividad de la adaptación, en el juego intertextual que aporta cuerpo y volumen a la propuesta de Cattán, sostenida, indiscutiblemente en la música de Noboa y en la impecable participación de cada uno de los artistas que dan cuenta y contribuyen en este trabajo.

La doble y única mujer. Natalia Luzuriaga, Beth Egnatoff y Cecilia Dávila,

La doble y única mujer, hecha teatro, quedará en la retina de quienes la vimos como una de las memorables propuestas teatrales contemporáneas.

FICHA TÉCNICA

Deus Ex Machina

Dirección: Andrés Noboa y Sebastián Cattán

Dramaturgia y música: Andrés Noboa y Sebastián Cattán

Mujer: Maya Villacreses

Madre: Caymo Pizarro

Mayordomo: Alfredo Espinosa

El padre: Charlie Calvache

El médico: Christian Valle

 Arturo: Diego Andrés Paredes

Las criadas y coro: Natalia Luzuriaga, Beth Egnatoff y Cecilia Dávila,

Piano: Tadeo Gangotena

Escenografía: Sebastián Cattán

Diseño de afiche: Alejandro Calderón

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]]> https://escenariosdelmundo.com/la-doble-y-unica-mujer/feed/ 0 Visión ciudadana del espectador https://escenariosdelmundo.com/vision-ciudadana-del-espectador/ https://escenariosdelmundo.com/vision-ciudadana-del-espectador/#respond Sun, 08 Sep 2024 13:09:21 +0000 https://escenariosdelmundo.com/?p=3782 (Colaboración de Santiago Rivadeneira de la revista Apuntador) Visión ciudadana del espectador En el terreno de las inferencias la “visión ciudadana” o la “ciudadanía”, respecto del teatro, como concepto sociológico o antropológico, parece indicar un campo de contradicción –estética, epistemológica, hasta semántica– que impide una definición más clara de lo que significa el rol de espectador, como depositario final de un espectáculo. Las mismas inferencias podrían obligarnos a establecer supremacías y jerarquías entre los componentes del espectáculo: el espectador (no) solo es un ciudadano, no al menos en el sentido en que parece entenderlo la ciencia o la crítica. Sin embargo, las denominaciones siempre resultan arbitrarias y pueden desarticular cualquier vivencia, cuando aluden de manera constante al problema de la percepción. Es decir, el espectador se compromete con un proceso creativo que tiene como resultado la materialización y visualización del pensamiento (Patricia Cardona). La percepción, por lo tanto, siempre será un proceso de selección. Y esto quiere decir que, su tarea es eliminar aquello que no haya sido codificado o estructurado suficientemente. Por otro lado, descarta todo lo que no interesa a sus necesidades emocionales o a los requerimientos de su propio cuerpo. Los términos de la demanda son: unidad, claridad y coherencia. Impulso, acción, precisión. En síntesis, la percepción no es el conocimiento total del objeto. Entonces, las artes escénicas se construyen alrededor de las leyes biológicas de la percepción y la atención. Pero ambas conceptualizaciones, la visión ciudadana y la de espectador tienen que ver con la mirada. Ambas acciones construyen sentido. Cuando queremos ir más allá de lo meramente testimonial y el análisis se enmarca en el terreno de la reflexión o de la crítica, el espectador solo es un ‘dato de hecho’, por lo tanto, en el mismo terreno de la arbitrariedad, no hace falta demostrar su existencia. Mientras que el ciudadano ejerce la participación pública de su comprensión de la realidad. ¿Cómo se configura esa contemplación en la que consiste la actividad del espectador? O, dicho de otra manera, ¿cuáles son los sentidos demandados por el espectáculo? ¿Y cómo se configura también la misma contemplación cuando la mirada ciudadana se ve atravesada por determinadas mediaciones? El espectáculo –la relación espectacular– se constituye en la distancia, en una relación distanciada que excluye la intimidad en beneficio de un  determinado extrañamiento. En otros términos: el espectáculo parece tener lugar allí donde los cuerpos escrutan en la distancia. Y sin embargo ambas miradas son distintas e iguales. Una precisión adicional: la mirada del espectador –de un espectador/a en el acto de la contemplación– se dispone a operar sobre un cuerpo que actúa en el mismo instante en que sobre él se dirija la mirada del espectador. Surge  de esa manera la relación espectacular. Del otro lado, la visión o la mirada ciudadana, ya no opera sobre un cuerpo próximo, sino sobre los efectos posteriores del espectáculo, sobre el espejismo de la mirada otra, esta vez inexorablemente cotidiana. La visión ciudadana, muy a nuestro pesar, restituye la injerencia de lo profano, seculariza esa distancia espectacular y la pervierte. A esta nueva distancia, la del ciudadano, en términos de valor, solo le concierne afirmar lo que antes había negado como espectador. Me explico, con el siguiente juego de palabras: la relación espectacular comporta un cuerpo y una mirada. La distancia trazada por esa mirada proveniente de un cuerpo negado –el del espectador-  y que tiene por objeto otro cuerpo, este sí plenamente afirmado. La visión del ciudadano, entonces, recobra el cuerpo negado en función de la relación espectacular y también restituye la noción de distancia que no es espectacular sino social.  Hemos constatado ya del porqué de la exclusión del cuerpo del sujeto que mira –del espectador, en suma-: su emergencia aboliría la relación espectacular en aras de una relación de intimidad. La distancia, diría en tanto elemento constitutivo del espectáculo, se nos revela como huella de una carencia, la de ese cuerpo negado de ese espectador que, reducido a la mirada, se entrega a la contemplación de otro cuerpo esta vez afirmado –en su exhibición- y que por ello se manifiesta necesariamente fascinante. Otro de los elementos que se excluyen de esta nueva consideración es la seducción. La visión ciudadana, importante e incluso necesaria, se vuelve racional, estoica a veces o conspicua. Lo que descarta la visión ciudadana, en legítimo derecho, es apropiarse de la mirada deseante del otro. La dimensión económica del espectáculo ya no cuenta para esta injerencia que se sustituye bajo una dimensión de poder distinta en la que opera solo el criterio mercantil de los vestigios o el rastro de lo visto o percibido. Y que una vez desvanecido el prestigio, hecho el silencio, caído el telón, re/colorada la vida normal, se sitúa en la prolongación infinita de los recuerdos (Jacques Copeau). Otra vez se da una suerte de concreción o de re-concreción de los valores de uso. Y está la representación, como una densidad que actúa escondida justamente en el mercado. Y cuando se deja ver aparece la necesidad de la formación estética del ser humano como experiencia colectiva. Y este es un nuevo espacio para la representación en el que se “organiza la anarquía”. La teatralidad hace de la insignificancia del mundo un conjunto significante. Significancia reversible –si así puede llamársela– y probablemente sea ésta la mayor tarea del teatro, en la medida que las redes de significación inscritas en el espacio escénico, leídas y ordenadas por el espectador, revierten en la lectura del mundo exterior y permiten su comprensión. El valor didáctico del teatro depende de la constitución de un espacio ordenado en donde pueden ser experimentadas las leyes de un universo del que la experiencia común solo hace visible el desorden. Terminemos diciendo que el teatro y las artes escénicas, son una práctica arraigada en aspiraciones intrínsecamente contradictorias. Cada obra de teatro que importe –y cada espectáculo– que merece tal denominación, encarna un ideal de singularidad, de voz singular. Pero el teatro, el hecho teatral, que es acumulación, encarna un

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(Colaboración de Santiago Rivadeneira de la revista Apuntador)

Visión ciudadana del espectador

En el terreno de las inferencias la “visión ciudadana” o la “ciudadanía”, respecto del teatro, como concepto sociológico o antropológico, parece indicar un campo de contradicción –estética, epistemológica, hasta semántica– que impide una definición más clara de lo que significa el rol de espectador, como depositario final de un espectáculo. Las mismas inferencias podrían obligarnos a establecer supremacías y jerarquías entre los componentes del espectáculo: el espectador (no) solo es un ciudadano, no al menos en el sentido en que parece entenderlo la ciencia o la crítica.

Sin embargo, las denominaciones siempre resultan arbitrarias y pueden desarticular cualquier vivencia, cuando aluden de manera constante al problema de la percepción. Es decir, el espectador se compromete con un proceso creativo que tiene como resultado la materialización y visualización del pensamiento (Patricia Cardona). La percepción, por lo tanto, siempre será un proceso de selección. Y esto quiere decir que, su tarea es eliminar aquello que no haya sido codificado o estructurado suficientemente. Por otro lado, descarta todo lo que no interesa a sus necesidades emocionales o a los requerimientos de su propio cuerpo.

Los términos de la demanda son: unidad, claridad y coherencia. Impulso, acción, precisión. En síntesis, la percepción no es el conocimiento total del objeto. Entonces, las artes escénicas se construyen alrededor de las leyes biológicas de la percepción y la atención.

Pero ambas conceptualizaciones, la visión ciudadana y la de espectador tienen que ver con la mirada. Ambas acciones construyen sentido. Cuando queremos ir más allá de lo meramente testimonial y el análisis se enmarca en el terreno de la reflexión o de la crítica, el espectador solo es un ‘dato de hecho’, por lo tanto, en el mismo terreno de la arbitrariedad, no hace falta demostrar su existencia. Mientras que el ciudadano ejerce la participación pública de su comprensión de la realidad.

¿Cómo se configura esa contemplación en la que consiste la actividad del espectador? O, dicho de otra manera, ¿cuáles son los sentidos demandados por el espectáculo? ¿Y cómo se configura también la misma contemplación cuando la mirada ciudadana se ve atravesada por determinadas mediaciones?

El espectáculo –la relación espectacular– se constituye en la distancia, en una relación distanciada que excluye la intimidad en beneficio de un  determinado extrañamiento. En otros términos: el espectáculo parece tener lugar allí donde los cuerpos escrutan en la distancia.

Y sin embargo ambas miradas son distintas e iguales.

Una precisión adicional: la mirada del espectador –de un espectador/a en el acto de la contemplación– se dispone a operar sobre un cuerpo que actúa en el mismo instante en que sobre él se dirija la mirada del espectador. Surge  de esa manera la relación espectacular. Del otro lado, la visión o la mirada ciudadana, ya no opera sobre un cuerpo próximo, sino sobre los efectos posteriores del espectáculo, sobre el espejismo de la mirada otra, esta vez inexorablemente cotidiana. La visión ciudadana, muy a nuestro pesar, restituye la injerencia de lo profano, seculariza esa distancia espectacular y la pervierte.

A esta nueva distancia, la del ciudadano, en términos de valor, solo le concierne afirmar lo que antes había negado como espectador. Me explico, con el siguiente juego de palabras: la relación espectacular comporta un cuerpo y una mirada. La distancia trazada por esa mirada proveniente de un cuerpo negado –el del espectador-  y que tiene por objeto otro cuerpo, este sí plenamente afirmado.

La visión del ciudadano, entonces, recobra el cuerpo negado en función de la relación espectacular y también restituye la noción de distancia que no es espectacular sino social.  Hemos constatado ya del porqué de la exclusión del cuerpo del sujeto que mira –del espectador, en suma-: su emergencia aboliría la relación espectacular en aras de una relación de intimidad.

La distancia, diría en tanto elemento constitutivo del espectáculo, se nos revela como huella de una carencia, la de ese cuerpo negado de ese espectador que, reducido a la mirada, se entrega a la contemplación de otro cuerpo esta vez afirmado –en su exhibición- y que por ello se manifiesta necesariamente fascinante.

Otro de los elementos que se excluyen de esta nueva consideración es la seducción. La visión ciudadana, importante e incluso necesaria, se vuelve racional, estoica a veces o conspicua. Lo que descarta la visión ciudadana, en legítimo derecho, es apropiarse de la mirada deseante del otro. La dimensión económica del espectáculo ya no cuenta para esta injerencia que se sustituye bajo una dimensión de poder distinta en la que opera solo el criterio mercantil de los vestigios o el rastro de lo visto o percibido. Y que una vez desvanecido el prestigio, hecho el silencio, caído el telón, re/colorada la vida normal, se sitúa en la prolongación infinita de los recuerdos (Jacques Copeau).

Otra vez se da una suerte de concreción o de re-concreción de los valores de uso. Y está la representación, como una densidad que actúa escondida justamente en el mercado. Y cuando se deja ver aparece la necesidad de la formación estética del ser humano como experiencia colectiva. Y este es un nuevo espacio para la representación en el que se “organiza la anarquía”. La teatralidad hace de la insignificancia del mundo un conjunto significante.

Significancia reversible –si así puede llamársela– y probablemente sea ésta la mayor tarea del teatro, en la medida que las redes de significación inscritas en el espacio escénico, leídas y ordenadas por el espectador, revierten en la lectura del mundo exterior y permiten su comprensión. El valor didáctico del teatro depende de la constitución de un espacio ordenado en donde pueden ser experimentadas las leyes de un universo del que la experiencia común solo hace visible el desorden.

Terminemos diciendo que el teatro y las artes escénicas, son una práctica arraigada en aspiraciones intrínsecamente contradictorias. Cada obra de teatro que importe –y cada espectáculo– que merece tal denominación, encarna un ideal de singularidad, de voz singular. Pero el teatro, el hecho teatral, que es acumulación, encarna un ideal de pluralidad, de multiplicidad de referentes, de puntos de vista, de fárrago. SR

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La escena española bien representada en Cuenca

Desde España, país invitado de honor en la 18ª edición del Festival Escenarios del Mundo, se traen maravillosos espectáculos que muy bien la representarán. El país ibérico, tierra de gran tradición escénica y oferta inmensa para públicos exigentes, expondrá algunos espectáculos triple A. Sin viajar, aquí en Cuenca, Ecuador mismo, estará la oportunidad de disfrutar grandes experiencias.

"Búho"

Un espectáculo muy visual y contemporáneo, alucinantes imágenes, historia que a decir de la crítica te tendrá pegado a la butaca, también con insertos recursos de pantomima, interpretación de actores finos formados en la famosa escuela de Lecok. ¡Diversión, emoción desde un teatro en el que destaca su parte plástica!

 

Pablo, un antropólogo forense, se pierde por los laberintos de la memoria.

"Es una dramaturgia respetuosa y de gran sensibilidad que consigue llevar al espectador a empatizar con el nuevo mundo de Pablo, no siempre concurrente con el de los terapeutas que intentan ayudarle."

Diario Crítico

“Una cuidada puesta en escena, a partir de la escenografía, donde cobran protagonismo elaboradas videoproyecciones, junto a una sutil iluminación, consiguiendo un conjunto de recursos técnicos que aportan un sugerente ambiente bucólico, en el que la forma se impone al fondo.”

Crítica La Máscara

“You Say Tomato”

De la Cia. Catalana Trono, una comedia musical, que si bien trata el romántico tema de pareja, lo hace de una manera diferente, sensible y profunda, mostrándonos más bien su plena vigencia.

 

Además, todos tenemos esperanzas y planes por cumplir que nos piden decisión y claridad, de eso también va la obra. Se ha mantenido en España en cartelera por años, eso resulta así, solo cuando el público la sigue pidiendo y cuando los teatros donde se presenta se siguen llenando.

«Esta obra es una de esas perlas teatrales que merecería hacer gira eternamente.»

Diario El País

«Una deliciosa comedia musical que retrata de forma realista y con mucho humor el mundo de los sueños rotos»

“Una obra refrescante, divertida y llena de realismo con la que te vas a sentir identificado. ¿Estás viviendo realmente la vida que querías? ¿Por qué no lo dejamos aquí? ¿Eres valiente para tomar determinadas decisiones? «

El Teatrero

“Pink Unicorns”

Uno de los shows más divertidos y tiernos que se ha visto. Teatro-Danza de una belleza y fuerza gestual enorme combinada con humor, Nada común. Un padre, de origen cubano, bailarín consagrado en Galicia, se propone bailar con su hijo en escena; pero entonces la condición será que se incluyan los ritmos, las realidades del adolescente, las nuevas realidades virtuales, las ideas actuales. Se pone en escena el reto del encuentro entre generaciones .

 

Gracias a la Embajada de España, que colabora para el proyecto, ahora hecho realidad. Lo tenemos como país invitado de honor,  con estos 3 bellos espectáculos.

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"Pink Unicorns", te espera

02 de octubre 2024

Teatro Pumapungo

20H00

¿Qué tal aventura puede ser para un artista consagrado y admirado internacionalmente, plantearse hacer una obra con su hijo adolescente, que hable de su relación profunda, personal; y a la vez, como expresión de las relaciones entre generaciones y entre épocas distintas, cuando la era digital lo ha cambiado todo? ¡Y lograr que al mismo tiempo tenga la calidad de espectáculo de primera línea, a lo que tiene acostumbrado a su público el especialísimo grupo gallego LA MACANA…!

 

La experiencia se encuentra con la exuberancia juvenil. La serenidad asumida se cuestiona con curiosidad.  El impulso de padre e hijo de compartir el escenario sostiene un espejo ante la audiencia: padres, madres, hijos, hijas. 

 

Pink Unicorns es un teatro-danza salvaje en el que dos cuerpos se encuentran.

La pantalla de bloqueo del teléfono de mi hijo es un unicornio rosa. Cuando era adolescente, me mantuve alejado de cualquier cosa que fuera rosa. Nunca antes había oído hablar de unicornios y los teléfonos móviles no existían
Alexis Fernández
Protagonista - Creador

Ha dicho la crítica:

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“… A pesar de su efecto catártico en mí, el programa es apto para todos. Caprichoso, extraordinariamente físico, es realmente un gran teatro»

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“Encuentran la mezcla justa de movimiento, teatro físico y slapstick, con el toque ingenioso y optimista del Caribe»

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 «No había sonreído, llorado, reído, sollozado ni destrozado emocionalmente en una simple noche desde que probé la marihuana por primera vez en la universidad…”

Presentar Pink Unicorns en el FESTIVAL ESCENARIOS DEL MUNDO, nos da la inmensa satisfacción de saber que tendremos una noche inolvidable. De esas que dan más sentido a nuestra ilusión de que Cuenca reciba lo mejor de la creación de estos tiempos, pues esta obra se ha presentado en Escenarios top de amplias geografías. Nos parece increíble poder tenerla justamente en la inauguración del FEDM, gracias también a esta figura que inauguramos en el festival: la de tener un “país invitado de honor” que corresponde el 2024 a España, cuya embajada colabora para la presentación en el FEDM de 3 grandes representantes de su escena actual. 

 

Veremos el poder de la vanguardia en un lenguaje que a la vez es sencillo para todos. ¡Disfrute grande garantizado!

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]]> https://escenariosdelmundo.com/pink-unicorns/feed/ 0 Selección de obras nacionales para la 18ª Edición del FEDM en octubre 2024 https://escenariosdelmundo.com/seleccion-de-obras-nacionales-para-la-18a-edicion-del-fedm-en-octubre-2024/ https://escenariosdelmundo.com/seleccion-de-obras-nacionales-para-la-18a-edicion-del-fedm-en-octubre-2024/#respond Wed, 14 Aug 2024 15:25:42 +0000 https://escenariosdelmundo.com/?p=3482 Selección de obras nacionales para la 18ª Edición del FEDM en octubre 2024 Nos planteamos, como ha sido habitual, armar para el público o los públicos de Cuenca y la región, una muestra panorámica, poderosa, significativa y enriquecedora de las artes escénicas que se producen actualmente en el Ecuador. Una muestra que invite al disfrute, al ejercicio de la ciudadanía, del homus ludicus, al dialogo social, a la empatía, al encanto, a la activación de los sentidos y del pensamiento. Que convoque nuevos públicos, que afiance los existentes, que proponga un crecimiento cuantitativo y cualitativo del beneficio del trabajo de tantísima gente implicada en un festival. Nos llegan como 80 postulaciones, consideramos muchas para un festival independiente, autogestionado, que brega por aumentar recursos y posibilidades; postulaciones que traen consigo un trabajo, un deseo, talento y que nos despiertan gratitud admiración y respeto.  ¡Gracias a todas por el interés, las valoramos, las apreciamos, les deseamos, como se dice en el argot del teatro: mierda en los escenarios del camino! Nos tomamos muy en serio el reto de la selección, en arte, siempre con una dosis de subjetividad, hacemos una apuesta, una ruleta rusa, dramaticemos. Nos apoyan curadores de festivales hermanos, tranquilidad. La selección Obra: Sacha Wasi Sacha Wasi, una casa en la selva. Pensada para nuestro público infantil y nunca mejor dicho, para cualquier público en realidad; resulta un regalo de ternura y belleza, un trabajo artesanal con objetos y danza, trae investigación, cuidada labor técnica, temática sensible, hermanadora, maravillosa.   Proyecto armado con aportes profesionales calificados de gente de varios países, apoyado por Iberescena, con un recorrido importante por escenarios comunitarios y también los más prestigiosos y formales del país. La Doble y Única mujer, un musical dramático sobre un texto del siempre inquietante fascinante e icónico Pablo Palacio, con creaciones sonoras al piano y una decena de actores calificados, lo convierten en una pieza de gran formato, de alguna forma innovadora, compleja, definitivamente deleitable.    El drama familiar suele ser simbólico de otras situaciones y determinante en la sicología y en la vida de las personas. Plantea un punto de vista que también invita a la empatía con la inocencia, con las búsquedas por entenderse o entender el mundo, penetra en el ser, más allá de las convenciones sociales y las cárceles personales.   Destaca el trabajo actoral del dúo vital determinante madre e hija. Sólida propuesta.   Dirección de Andrés Noboa y Sebastián Cattán Antonia y Berenice han muerto. En la senda de las obras  que van sobre los caminos de comediantes, juglares, fabulantes en sus andanzas por distintos lares, rondando el abismo, tentando el fracaso, la cárcel, la muerte; con hambre de gloria y poesía. La vigencia de la épica depende de su innovación, de su vitalidad, de la capacidad para perseguir un sueño. Texto de Sharon Olazaval. Actuaciones de Laura Oviedo y Fernanda Corral. Obra: Tres tristes trampas, trabalenguas conyugal Tres Tristes Trampas, Trabalenguas Conyugal una comedia con múltiples recursos teatrales en su puesta en escena, muy buenas y divertidas actuaciones, de la siempre vigente Juana Guarderas, en el personaje de la “esposa pendeja”, que bueno se sacude y a la final pone en duda quien mismo es el o la pendeja, Antonella Moreno la tercera, la otra, la diva, sueño y pesadilla del galán Alfredo Espinoza. La gente lo disfrutó en grande con tremenda asistencia en el Patio de Comedias. La Warmi, entre tejidos y lenguajes, la obra ecuatoriana que recibió los mejores comentarios en la “Fiesta Escénica 2024” (El gran Festival de Quito organizado por el teatro Sucre) ¡una auténtica revelación! ¡Encantadora! Recoge la festividad tradicional andina, hace un homenaje a la mujer, la fertilidad y la tierra desde la masculinidad, celebrando y entendiendo la dualidad y la complementariedad con inmenso respeto y sensibilidad. Da cuenta de una investigación de campo muy profunda en territorio que se plasma en una fusión de danza tradicional, ancestral y contemporánea. Creador: Juan Chávez. Tempo, de Zerojo Producciones. Un mundo futuro posible que se plantea cuestionar el desenfrenado ritmo de vida moderno. Espacio para la acrobacia aérea, la danza y el circo. Una producción enorme con agrupaciones que muestran un proceso, una continuidad y presencia permanente en la escena cuencana. Dirección de Inel Escudero y Piotr Zalamea, 11 performers en escena y un amplio equipo técnico y de producción. Almas Allá, del colectivo cuencano “Las hijas no queridas”, es un trabajo emergente alrededor del teatro físico y la danza que expone una experiencia visual creativa y animada. Temáticamente invita a la aceptación alegre de la imperfección humana como parte del proceso vital. Posibilita al FEDM integrar el objetivo de incorporar intereses y expresiones jóvenes a la vez que llegar a públicos diversos de lugares cercanos a Cuenca. Tiempos de Circo. En el marco de la decisión del FEDM de armar este año, en el contexto del feriado largo, un circuito de espectáculos cortos que transiten por varios puntos de la ciudad llegando al transeúnte, al público ambulante, a la familia que pasea, al turista, tenemos la oportunidad de presentar este circo callejero ecuatoriano que viene trabajando activamente desde el 2011, viajando por Latinoamérica y representando ese segmento del artista popular en la vía, con acrobacias , equilibrismo y números de diábolo. En el circo la dramaturgia trazada es el riesgo, la comunicación directa e inmediata, el juego; el premio el disfrute simple y llano del público.  Integra también este circuito Sikus Cuenkandes, un trabajo colectivo liderado por el lutier y músico Oswaldo Morocho, una figura de la cultura cuencana desde su taller del Vado. Su trabajo de años tuvo su origen en la agrupación los “Cantandantes” dentro de la tradición andina.  Sus paradas por las esquinas de la ciudad que prevemos, sacudiendo el ambiente con sikuris, evocando el dialogo, el viento, la montaña y una fuerza y decisión, cercana al ritual, nos alegran y desde ya emocionan.   Perfusión es un producto escénico musical cuencano que logra plasmar con mucha virtud, criterio y sabor, una fusión de

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Selección de obras nacionales para la 18ª Edición del FEDM en octubre 2024

Nos planteamos, como ha sido habitual, armar para el público o los públicos de Cuenca y la región, una muestra panorámica, poderosa, significativa y enriquecedora de las artes escénicas que se producen actualmente en el Ecuador. Una muestra que invite al disfrute, al ejercicio de la ciudadanía, del homus ludicus, al dialogo social, a la empatía, al encanto, a la activación de los sentidos y del pensamiento. Que convoque nuevos públicos, que afiance los existentes, que proponga un crecimiento cuantitativo y cualitativo del beneficio del trabajo de tantísima gente implicada en un festival.

Nos llegan como 80 postulaciones, consideramos muchas para un festival independiente, autogestionado, que brega por aumentar recursos y posibilidades; postulaciones que traen consigo un trabajo, un deseo, talento y que nos despiertan gratitud admiración y respeto.  ¡Gracias a todas por el interés, las valoramos, las apreciamos, les deseamos, como se dice en el argot del teatro: mierda en los escenarios del camino!

Nos tomamos muy en serio el reto de la selección, en arte, siempre con una dosis de subjetividad, hacemos una apuesta, una ruleta rusa, dramaticemos. Nos apoyan curadores de festivales hermanos, tranquilidad.

La selección

Obra: Sacha Wasi

Sacha Wasi, una casa en la selva. Pensada para nuestro público infantil y nunca mejor dicho, para cualquier público en realidad; resulta un regalo de ternura y belleza, un trabajo artesanal con objetos y danza, trae investigación, cuidada labor técnica, temática sensible, hermanadora, maravillosa.

 

Proyecto armado con aportes profesionales calificados de gente de varios países, apoyado por Iberescena, con un recorrido importante por escenarios comunitarios y también los más prestigiosos y formales del país.

La Doble y Única mujer, un musical dramático sobre un texto del siempre inquietante fascinante e icónico Pablo Palacio, con creaciones sonoras al piano y una decena de actores calificados, lo convierten en una pieza de gran formato, de alguna forma innovadora, compleja, definitivamente deleitable. 

 

El drama familiar suele ser simbólico de otras situaciones y determinante en la sicología y en la vida de las personas. Plantea un punto de vista que también invita a la empatía con la inocencia, con las búsquedas por entenderse o entender el mundo, penetra en el ser, más allá de las convenciones sociales y las cárceles personales.

 

Destaca el trabajo actoral del dúo vital determinante madre e hija. Sólida propuesta.

 

Dirección de Andrés Noboa y Sebastián Cattán

Antonia y Berenice han muerto. En la senda de las obras  que van sobre los caminos de comediantes, juglares, fabulantes en sus andanzas por distintos lares, rondando el abismo, tentando el fracaso, la cárcel, la muerte; con hambre de gloria y poesía. La vigencia de la épica depende de su innovación, de su vitalidad, de la capacidad para perseguir un sueño. Texto de Sharon Olazaval. Actuaciones de Laura Oviedo y Fernanda Corral.

Obra: Tres tristes trampas, trabalenguas conyugal

Tres Tristes Trampas, Trabalenguas Conyugal una comedia con múltiples recursos teatrales en su puesta en escena, muy buenas y divertidas actuaciones, de la siempre vigente Juana Guarderas, en el personaje de la “esposa pendeja”, que bueno se sacude y a la final pone en duda quien mismo es el o la pendeja, Antonella Moreno la tercera, la otra, la diva, sueño y pesadilla del galán Alfredo Espinoza. La gente lo disfrutó en grande con tremenda asistencia en el Patio de Comedias.

La Warmi, entre tejidos y lenguajes, la obra ecuatoriana que recibió los mejores comentarios en la “Fiesta Escénica 2024” (El gran Festival de Quito organizado por el teatro Sucre) ¡una auténtica revelación! ¡Encantadora! Recoge la festividad tradicional andina, hace un homenaje a la mujer, la fertilidad y la tierra desde la masculinidad, celebrando y entendiendo la dualidad y la complementariedad con inmenso respeto y sensibilidad. Da cuenta de una investigación de campo muy profunda en territorio que se plasma en una fusión de danza tradicional, ancestral y contemporánea. Creador: Juan Chávez.

Tempo, de Zerojo Producciones. Un mundo futuro posible que se plantea cuestionar el desenfrenado ritmo de vida moderno. Espacio para la acrobacia aérea, la danza y el circo. Una producción enorme con agrupaciones que muestran un proceso, una continuidad y presencia permanente en la escena cuencana. Dirección de Inel Escudero y Piotr Zalamea, 11 performers en escena y un amplio equipo técnico y de producción.

Almas Allá, del colectivo cuencano “Las hijas no queridas”, es un trabajo emergente alrededor del teatro físico y la danza que expone una experiencia visual creativa y animada. Temáticamente invita a la aceptación alegre de la imperfección humana como parte del proceso vital. Posibilita al FEDM integrar el objetivo de incorporar intereses y expresiones jóvenes a la vez que llegar a públicos diversos de lugares cercanos a Cuenca.

Tiempos de Circo. En el marco de la decisión del FEDM de armar este año, en el contexto del feriado largo, un circuito de espectáculos cortos que transiten por varios puntos de la ciudad llegando al transeúnte, al público ambulante, a la familia que pasea, al turista, tenemos la oportunidad de presentar este circo callejero ecuatoriano que viene trabajando activamente desde el 2011, viajando por Latinoamérica y representando ese segmento del artista popular en la vía, con acrobacias , equilibrismo y números de diábolo. En el circo la dramaturgia trazada es el riesgo, la comunicación directa e inmediata, el juego; el premio el disfrute simple y llano del público.  Integra también este circuito

Sikus Cuenkandes, un trabajo colectivo liderado por el lutier y músico Oswaldo Morocho, una figura de la cultura cuencana desde su taller del Vado. Su trabajo de años tuvo su origen en la agrupación los “Cantandantes” dentro de la tradición andina.  Sus paradas por las esquinas de la ciudad que prevemos, sacudiendo el ambiente con sikuris, evocando el dialogo, el viento, la montaña y una fuerza y decisión, cercana al ritual, nos alegran y desde ya emocionan.  

Perfusión es un producto escénico musical cuencano que logra plasmar con mucha virtud, criterio y sabor, una fusión de la característica música callejera de carnavales como la samba batucada, que tuviera su auge en cuenca tras la agrupación La Bandada de la Madre, con la poderosa tradición de la banda de pueblo tan arraiga en la ciudad y sus alrededores. Suenan bien esos metales con percusión en temas vernáculos y latinos en el contexto del recorrido escénico, incorporando acróbatas y expresiones gestuales. 

Mayu en Búsqueda de Lalay, es un trabajo de la UNAE que cuenta una historia tradicional cañari con personajes típicos de su escena patrimonial incorporando su música, vestuarios y elementos distintivos revitalizando una cultura primigenia.  Trabajada con estudiantes cumple también la labor de brindar espacio para propuestas emergentes.

El festival también producirá comparsas con profesionales cuencanos para visitar varias poblaciones rurales y su espectáculo inicial por calles de la ciudad.

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Los otros trabajaban en la orquesta Austral de Carlos Ortiz Cobos, y cuando tenían una invitación se juntaban.   El nombre de  Los Locos del Ritmo les puso el fotógrafo oficial de aquellas fiestas, Edmundo Espinoza. Todo esto según el actual director del grupo Marcelo Bustos, quien cuenta que le contó el ya fallecido acordeonista Jaime Velasco, de lo que contaba Lucho Chalco: que disque el Pepe Luna se propuso hacer con su grupo sin nombre una gira por Quito. Antes del viaje hubo una fiesta para recaudar fondos en el mentado  Club del  Azuay (Algunos habremos oído mencionarlo a los taitas, otros tal vez en La Escoba). Era 1954. En esa  fiesta  Espinoza,  viendo a los músicos medio ‘chispos’, subidos en un banco haciendo gestos divertidos les mentó “estos locos del ritmo”; así quedaron desde entonces. Con hambre de fama y ya con nombre, Luna, Torres, Chalco, Ávila e Izurieta llegaron a Quito; … les fue mal, con números en contra, (cualquier parecido con la realidad de los artistas de hoy es coincidencia) les tocó la vuelta del músico. Necios los cuatro siguieron, logran el acompañamiento del ibarreño Jaime Garrido, acordeonista de las Hermanas Mendoza Suasti, del dúo Benítez y Valencia y otros. Fue con él con quien empiezan a correr con mejor suerte, agarran fama, convocan mucho público,  graban los primeros discos, entre estos el pasodoble “Sangre Ecuatoriana”, de Julio Cañar. (En esa época grabar discos era punto)   Otra vez en Quito, Los Locos del Ritmo se mandan un mano a mano histórico con  “Don Medardo y sus Players” pero Luego Garrido decide irse a Colombia y los ‘locos’ se disuelven. Unos arman “Los Diablos Rojos”. Lucho Chalco hizo su grupo y Olmedo también migró para Estados Unidos. De esta época data la recordada Orquesta Sonolux,  que duró 28 años  acompañando al mismísimo Enrique Guzmán, Palito Ortega, Alberto Vázquez y Roberto Ledesma,  estrellas internacionales de la balada y el bolero.   En una segunda época de “Los Locos del Ritmo”, en 1994, al sonido del saxofón con el talento de Olmedo Torres, del acordeón con el de Jaime Velasco, más la voz de Lucho Chalco, se unieron con su musicalidad los jóvenes Marcelo Bustos y César Vallejo, permitiendo llevar una vez más a los escenarios:  “Sangre Ecuatoriana”, “Somos”, “Juanita Bonita”, “Mi nena”, “Carnavalito” y otras canciones. Nuevos Locos estuvieron juntos hasta  el 2010. Fue en esa fase que grabaron tres discos que recogen “En El Mundo”, “El Día que me quieras”, “Amapola”, Marbella” “Vanidad”, y otras.   Como Chalco y Torres legaron por escritura pública el nombre a los segundos integrantes:  “Los Locos del Ritmo”, vuelven esta vez acompañados por los jóvenes Homero Ramírez en la voz; Francisco Bustos, Pablo y Edwin Nivicela y Pablo González. Trabajando por sostener ese legado tradicional ecuatoriano y de otros ritmos alegres, “tocamos las canciones de Los Locos  en fiestas, bodas, en escenarios abiertos y cerrados”, cuenta  Marcelo Bustos. La 4ta y actual generación de los locos del ritmo la conforman Marcelo bustos: director y baterista. Francisco Bustos: Congas. Raúl Mejía: Acordeón. Manolo Salamea: Contrabajo. Marcelo Rodríguez: Vos Principal. John Ramon: Saxofonista, y Patricio Ramon: Güira. El festival Escenarios del Mundo programa el concierto de LOS LOCOS DEL RITMO en homenaje a su trayectoria. El FEDM desde sus orígenes ha matizado su programación escénica con variados exponentes de la música: Swing Original Monks, Álvaro Bermeo, El Viejo Napo, De raíz, Diego Sojo, La Madre Tirana, Efímero Pánico, y entre los internacionales el francés Erick Trufaz el quinteto suizo de Jazz, Tambores y Gaitas de Colombia, entre otros, cómo en botica. Los técnicos del teatro Pumapungo han estado allí trabajando 25 años, mes a mes, semana a semana, noche a noche. Han visto centenas de artistas de diferentes géneros pasar por el escenario.  Como no escuchar su criterio. De ellos nació la idea de incluirlos en la programación. “Los locos son lo máximo, le encanta a la gente de varias generaciones, cuando ellos se presentan llega gente que no asoma casi nunca por el teatro, la gozan, el teatro se llena”   Supimos también que Marcelo Bustos, director de los locos,  fue nombrado compadre del último carnaval.   Escenarios del Mundo, su visión curatorial ecléctica, de varias expresiones culturales, de diferentes estilos, géneros, cosmovisiones, maneras de sentir y pensar tiene el gusto de presentarlos, reconocerlos y homenajearlos. Será el viernes 6 de octubre, en Pumapungo a las 20 horas.

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Los Locos del Ritmo, 75 años de música en Cuenca

¡¡75 años!!

Pepe Luna en 1947 lo ha fundado,  poniendo su firma en fiestas, serenos, bailes, conciertos y discos; para deleite de los abuelos de algunos, taitas de otros, o hasta bisabuelos, de los más guambras.

 

El quinteto como tal en sus inicios no ha tenido nombre. Sus integrantes se reunían esporádicamente, ya que cada uno trabajaba en diferentes orquestas. -Don Chalco tenía el trío “Los Campiranos”. Los otros trabajaban en la orquesta Austral de Carlos Ortiz Cobos, y cuando tenían una invitación se juntaban.

 

El nombre de  Los Locos del Ritmo les puso el fotógrafo oficial de aquellas fiestas, Edmundo Espinoza. Todo esto según el actual director del grupo Marcelo Bustos, quien cuenta que le contó el ya fallecido acordeonista Jaime Velasco, de lo que contaba Lucho Chalco: que disque el Pepe Luna se propuso hacer con su grupo sin nombre una gira por Quito. Antes del viaje hubo una fiesta para recaudar fondos en el mentado  Club del  Azuay (Algunos habremos oído mencionarlo a los taitas, otros tal vez en La Escoba). Era 1954. En esa  fiesta  Espinoza,  viendo a los músicos medio ‘chispos’, subidos en un banco haciendo gestos divertidos les mentó “estos locos del ritmo”; así quedaron desde entonces.

Con hambre de fama y ya con nombre, Luna, Torres, Chalco, Ávila e Izurieta llegaron a Quito; … les fue mal, con números en contra, (cualquier parecido con la realidad de los artistas de hoy es coincidencia) les tocó la vuelta del músico.

Necios los cuatro siguieron, logran el acompañamiento del ibarreño Jaime Garrido, acordeonista de las Hermanas Mendoza Suasti, del dúo Benítez y Valencia y otros. Fue con él con quien empiezan a correr con mejor suerte, agarran fama, convocan mucho público,  graban los primeros discos, entre estos el pasodoble “Sangre Ecuatoriana”, de Julio Cañar. (En esa época grabar discos era punto)

 

Otra vez en Quito, Los Locos del Ritmo se mandan un mano a mano histórico con  “Don Medardo y sus Players” pero Luego Garrido decide irse a Colombia y los ‘locos’ se disuelven. Unos arman “Los Diablos Rojos”. Lucho Chalco hizo su grupo y Olmedo también migró para Estados Unidos. De esta época data la recordada Orquesta Sonolux,  que duró 28 años  acompañando al mismísimo Enrique Guzmán, Palito Ortega, Alberto Vázquez y Roberto Ledesma,  estrellas internacionales de la balada y el bolero.

 

En una segunda época de “Los Locos del Ritmo”, en 1994, al sonido del saxofón con el talento de Olmedo Torres, del acordeón con el de Jaime Velasco, más la voz de Lucho Chalco, se unieron con su musicalidad los jóvenes Marcelo Bustos y César Vallejo, permitiendo llevar una vez más a los escenarios:  “Sangre Ecuatoriana”, “Somos”, “Juanita Bonita”, “Mi nena”, “Carnavalito” y otras canciones.

Nuevos Locos estuvieron juntos hasta  el 2010. Fue en esa fase que grabaron tres discos que recogen “En El Mundo”, “El Día que me quieras”, “Amapola”, Marbella” “Vanidad”, y otras.

 

Como Chalco y Torres legaron por escritura pública el nombre a los segundos integrantes:  “Los Locos del Ritmo”, vuelven esta vez acompañados por los jóvenes Homero Ramírez en la voz; Francisco Bustos, Pablo y Edwin Nivicela y Pablo González.

Trabajando por sostener ese legado tradicional ecuatoriano y de otros ritmos alegres, “tocamos las canciones de Los Locos  en fiestas, bodas, en escenarios abiertos y cerrados”, cuenta  Marcelo Bustos.

La 4ta y actual generación de los locos del ritmo la conforman

Marcelo bustos: director y baterista.

Francisco Bustos: Congas.

Raúl Mejía: Acordeón.

Manolo Salamea: Contrabajo.

Marcelo Rodríguez: Vos Principal.

John Ramon: Saxofonista, y

Patricio Ramon: Güira.

El festival Escenarios del Mundo programa el concierto de LOS LOCOS DEL RITMO en homenaje a su trayectoria. El FEDM desde sus orígenes ha matizado su programación escénica con variados exponentes de la música: Swing Original Monks, Álvaro Bermeo, El Viejo Napo, De raíz, Diego Sojo, La Madre Tirana, Efímero Pánico, y entre los internacionales el francés Erick Trufaz el quinteto suizo de Jazz, Tambores y Gaitas de Colombia, entre otros, cómo en botica.

Los técnicos del teatro Pumapungo han estado allí trabajando 25 años, mes a mes, semana a semana, noche a noche. Han visto centenas de artistas de diferentes géneros pasar por el escenario.  Como no escuchar su criterio. De ellos nació la idea de incluirlos en la programación. “Los locos son lo máximo, le encanta a la gente de varias generaciones, cuando ellos se presentan llega gente que no asoma casi nunca por el teatro, la gozan, el teatro se llena”

 

Supimos también que Marcelo Bustos, director de los locos,  fue nombrado compadre del último carnaval.

 

Escenarios del Mundo, su visión curatorial ecléctica, de varias expresiones culturales, de diferentes estilos, géneros, cosmovisiones, maneras de sentir y pensar tiene el gusto de presentarlos, reconocerlos y homenajearlos. Será el viernes 6 de octubre, en Pumapungo a las 20 horas.

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]]> https://escenariosdelmundo.com/los-locos-del-ritmo-75-anos-de-musica-en-cuenca/feed/ 0 Desde Cali, 10 excepcionales bailarines en «LA CURA» en Coproducción con la Universidad de Cuenca. https://escenariosdelmundo.com/desde-cali-10-excepcionales-bailarines-en-la-cura-en-coproduccion-con-la-universidad-de-cuenca/ https://escenariosdelmundo.com/desde-cali-10-excepcionales-bailarines-en-la-cura-en-coproduccion-con-la-universidad-de-cuenca/#respond Tue, 12 Sep 2023 20:57:13 +0000 https://escenariosdelmundo.com/?p=2947 Desde Cali, 10 excepcionales bailarines en «LA CURA» en Coproducción con la Universidad de Cuenca. Muy buen espectáculo! Se dice que ningún árbol puede crecer hasta el cielo, a menos que sus raíces hayan llegado hasta el infierno. Con esta idea inspiradora, La obra dancística LA CURA plantea, la depuración,  “la limpia” del ser a través del movimiento. El cuerpo tiene información para sanarse, la vida es permanentemente movimiento, observación auto observacion, el humano que se expresa, individual y colectivamente; esta la belleza que se transmite en la pieza, con energía impresionante. El público testigo de la cura se contagia, empatiza, la hace y la siente suya. 10 bailarines en escena explorando e interpretando la pasión, la angustia, la incertidumbre y tras de eso quizás una luz… Incolballet se define como una institución líder en la formación de talentos excepcionales que desde Cali, Colombia, trabaja profesionalmente, en la formación, investigación y circulación de espectáculos de ballet y danza contemporánea, buscando ampliar la danza para diferentes públicos,  sacándola de espacios exclusivamente tradicionales. La Cura, se presentó en la prestigiosa bienal internacional de danza de Cali, en el Festival de danza de la Habana vieja, en Surinam, por supuesto en escenarios colombianos y en la Fiesta Escénica, evento anual del teatro Nacional Sucre en Quito, en dónde conmovió al pública y crítica, generando por eso su presencia en el FEDM. Llega para cerrar el Festival Escenarios del Mundo, en Coproducción con la U. de Cuenca. Teatro Carlos Cueva Tamariz, el jueves 12 de Octubre a las 20h. También se presentará para colegios. «La Cura» Duración: 45 minutos Coreógrafo: Julio César Iglesias Ungo Música: J-Lawton Vestuario: Angelo Restrepo Grajales Diseño de luces: Mauricio Ordóñez Número de intérpretes en escena: 14 bailarines Elenco: Compañía Colombiana de Danza Contemporánea. Público al que va dirigido: General.

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Desde Cali, 10 excepcionales bailarines en "LA CURA" en Coproducción con la Universidad de Cuenca.

Muy buen espectáculo!

Se dice que ningún árbol puede crecer hasta el cielo, a menos que sus raíces hayan llegado hasta el infierno. Con esta idea inspiradora, La obra dancística LA CURA plantea, la depuración,  “la limpia” del ser a través del movimiento. El cuerpo tiene información para sanarse, la vida es permanentemente movimiento, observación auto observacion, el humano que se expresa, individual y colectivamente; esta la belleza que se transmite en la pieza, con energía impresionante. El público testigo de la cura se contagia, empatiza, la hace y la siente suya.

10 bailarines en escena explorando e interpretando la pasión, la angustia, la incertidumbre y tras de eso quizás una luz…

Incolballet se define como una institución líder en la formación de talentos excepcionales que desde Cali, Colombia, trabaja profesionalmente, en la formación, investigación y circulación de espectáculos de ballet y danza contemporánea, buscando ampliar la danza para diferentes públicos,  sacándola de espacios exclusivamente tradicionales.

La Cura, se presentó en la prestigiosa bienal internacional de danza de Cali, en el Festival de danza de la Habana vieja, en Surinam, por supuesto en escenarios colombianos y en la Fiesta Escénica, evento anual del teatro Nacional Sucre en Quito, en dónde conmovió al pública y crítica, generando por eso su presencia en el FEDM.

Llega para cerrar el Festival Escenarios del Mundo, en Coproducción con la U. de Cuenca. Teatro Carlos Cueva Tamariz, el jueves 12 de Octubre a las 20h.

También se presentará para colegios.

«La Cura»

Duración: 45 minutos

Coreógrafo: Julio César Iglesias Ungo

Música: J-Lawton

Vestuario: Angelo Restrepo Grajales

Diseño de luces: Mauricio Ordóñez

Número de intérpretes en escena: 14 bailarines

Elenco: Compañía Colombiana de Danza Contemporánea.

Público al que va dirigido: General.

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]]> https://escenariosdelmundo.com/desde-cali-10-excepcionales-bailarines-en-la-cura-en-coproduccion-con-la-universidad-de-cuenca/feed/ 0 CONOZCA SOBRE ANDRÉ Y DORINE Espectáculo Vasco de Máscaras, amor y silencio. https://escenariosdelmundo.com/espectaculo-vasco-de-mascaras-amor-y-silencio/ https://escenariosdelmundo.com/espectaculo-vasco-de-mascaras-amor-y-silencio/#respond Fri, 08 Sep 2023 15:23:11 +0000 https://escenariosdelmundo.com/?p=2853 Tienes 82 años. Te has encogido seis centímetros, sólo pesas 92 libras, pero sigues siendo hermosa, tierna y deseable. Hemos vivido juntos durante 58 años y te amo más que nunca. Una vez más siento un vacío punzante en el hueco de mi pecho que sólo se llena cuando tu cuerpo se presiona al lado del mío. Así comienza una carta de 75 páginas de André Gorz, un filósofo francés nacido en Austria, a su esposa, Dorine Keir.  Decididos a estar juntos hasta el final; a menudo habían dicho que, si por algún milagro tuvieran una segunda vida, les gustaría pasarla juntos. “André & Dorine”, teatro de máscaras, del grupo  Kulunka teatro, ganador del premio Max (Cómo el Oscar del teatro español) se inspiró como punto de partida, y en algún  aspecto,  en esta historia de amor. Pero “André y Dorine” de Kulunka teatro se desarrolló por su propio camino desde lo gestual.  Se convirtió en una “obra teatral que expresa lo inexpresable”.  Desde que la vimos hace años, soñamos con tenerla en el festival ESCENARIOS DEL MUNDO, en Cuenca.  Será el 11 de Octubre en el teatro Pumapungo con el patrocinio de la Embajada de España en Ecuador. Dejamos que sean periodistas especialistas en NY city, Los Ángeles y España quienes nos  contagien con sus impresiones sobre la obra: EL AMOR Y EL OLVIDO. Los chicos de Kulunka llevan al público de un extremo emocional al otro: de la risa desopilante, al nudo en la garganta. Hacía años que no sentía un zarandeo semejante EL PAÍS A menos que vaya a traer un hijo al mundo el sábado por la noche, vaya a ver este espectáculo. Sino, vaya a verlo el domingo.” Stage and cinema LOS ÁNGELES A qué maravilloso género teatral pertenece ‘André y Dorine’ no lo sé -acaso responda por tragicomedia muda de máscaras-, pero sí sé que provoca la emoción auténtica de una obra maestra. DIARIO LA RIOJA – ESPAÑA “Kulunka Teatro nos da una lección de vida y amor con este espectáculo que emociona sin palabras.” “André y Dorine es una montaña rusa de risas y llantos. Sin azar, porque todo estaba premeditado, pero tan fuerte y de golpe como un disparo llegaron esas emociones intensas…” «Es ternura, conmoción, herida y canto. Un placer que parecía perdido y ha sido recuperado.” “ANDRÉ y DORINE: El lenguaje preciso de las máscaras y del corazón.” “Belleza y emoción sin palabras.” “…La puesta en escena está llena de poesía, de preciosas composiciones, de momentos entrañables y de deliciosa comedia.” Revista Cultural Modernícolas Sinopsis En un pequeño salón, el frenético tecleo de una máquina de escribir, se enzarza a diario con las persistentes notas de un violonchelo. Son André y Dorine, una pareja de ancianos que, como tantas otras, ha caído en la desidia, olvidando lo que un día los unió. Pero un acontecimiento irrumpirá en sus vidas, obligándoles a recordar lo que fueron André y Dorine. Un espectáculo sin fronteras. Ha pasado por 30 países, más de 1000 funciones y 200000 espectadores. Género Teatro de máscaras Público Adulto – Juvenil Idioma Sin texto Duración 80 minutos

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Tienes 82 años. Te has encogido seis centímetros, sólo pesas 92 libras, pero sigues siendo hermosa, tierna y deseable. Hemos vivido juntos durante 58 años y te amo más que nunca. Una vez más siento un vacío punzante en el hueco de mi pecho que sólo se llena cuando tu cuerpo se presiona al lado del mío.

Así comienza una carta de 75 páginas de André Gorz, un filósofo francés nacido en Austria, a su esposa, Dorine Keir.  Decididos a estar juntos hasta el final; a menudo habían dicho que, si por algún milagro tuvieran una segunda vida, les gustaría pasarla juntos.

“André & Dorine”, teatro de máscaras, del grupo  Kulunka teatro, ganador del premio Max (Cómo el Oscar del teatro español) se inspiró como punto de partida, y en algún  aspecto,  en esta historia de amor. Pero “André y Dorine” de Kulunka teatro se desarrolló por su propio camino desde lo gestual.  Se convirtió en una “obra teatral que expresa lo inexpresable”.  Desde que la vimos hace años, soñamos con tenerla en el festival ESCENARIOS DEL MUNDO, en Cuenca.  Será el 11 de Octubre en el teatro Pumapungo con el patrocinio de la Embajada de España en Ecuador.

 

Dejamos que sean periodistas especialistas en NY city, Los Ángeles y España quienes nos  contagien con sus impresiones sobre la obra:

EL AMOR Y EL OLVIDO. Los chicos de Kulunka llevan al público de un extremo emocional al otro: de la risa desopilante, al nudo en la garganta. Hacía años que no sentía un zarandeo semejante
EL PAÍS
A menos que vaya a traer un hijo al mundo el sábado por la noche, vaya a ver este espectáculo. Sino, vaya a verlo el domingo.” Stage and cinema
LOS ÁNGELES
A qué maravilloso género teatral pertenece 'André y Dorine' no lo sé -acaso responda por tragicomedia muda de máscaras-, pero sí sé que provoca la emoción auténtica de una obra maestra.
DIARIO LA RIOJA - ESPAÑA

“Kulunka Teatro nos da una lección de vida y amor con este espectáculo que emociona sin palabras.”

 

“André y Dorine es una montaña rusa de risas y llantos. Sin azar, porque todo estaba premeditado, pero tan fuerte y de golpe como un disparo llegaron esas emociones intensas…”

 

«Es ternura, conmoción, herida y canto. Un placer que parecía perdido y ha sido recuperado.”

 

“ANDRÉ y DORINE: El lenguaje preciso de las máscaras y del corazón.”

 

“Belleza y emoción sin palabras.”

 

“…La puesta en escena está llena de poesía, de preciosas composiciones, de momentos entrañables y de deliciosa comedia.”

 

Revista Cultural Modernícolas

Sinopsis

En un pequeño salón, el frenético tecleo de una máquina de escribir, se enzarza a diario con las persistentes notas de un violonchelo. Son André y Dorine, una pareja de ancianos que, como tantas otras, ha caído en la desidia, olvidando lo que un día los unió. Pero un acontecimiento irrumpirá en sus vidas, obligándoles a recordar lo que fueron André y Dorine.

 

Un espectáculo sin fronteras. Ha pasado por 30 países, más de 1000 funciones y 200000 espectadores.

Género

Teatro de máscaras

Público

Adulto - Juvenil

Idioma

Sin texto

Duración

80 minutos

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]]> https://escenariosdelmundo.com/espectaculo-vasco-de-mascaras-amor-y-silencio/feed/ 0 Malayerba es malayerba https://escenariosdelmundo.com/instrucciones-para-abrazar-al-aire/ https://escenariosdelmundo.com/instrucciones-para-abrazar-al-aire/#respond Mon, 04 Sep 2023 14:48:03 +0000 https://escenariosdelmundo.com/?p=2819 Una de las imperdibles del Festival Internacional Escenarios del Mundo Presentación Cuenca, 8 de octubre 2023 Lugar Teatro Pumapungo 20:00 Entradas Desde septiembre, en Librimundi y online por meet2go. Malayerba es malayerba Fundado en Quito en 1980 por artistas de diferentes latitudes, incluyendo por supuesto Ecuador, presentaron decenas de obras memorables en festivales y teatros, portando el nombre del país y de la escena ecuatoriana de manera fantástica, desde hace todo ese tiempo. Hicieron escuela, hicieron historia, formaron profesionales, interpretaron grandes textos de Brecht, de Valle Inclán, de Jarrid, de Buckner, de Lorca, del mismisimo Cervantes, del premio nobel Gunter Grass, de nuestro genial Pablo Palacio, entre otros; siempre reinterpretándolos y recreándolos con gran libertad e inmensa creatividad y desde su particular lectura que se fue convirtiendo en el estilo y sello Malayerba.   Otra etapa de crecimiento gigante de Malayerba ocurre a partir de la consolidación de montajes con textos de su propio director Arístides Vargas. Tras décadas de trabajo Arístides Vargas se constituyó en uno de los más reconocidos dramaturgos, directores y hombre de teatro de América Latina, motivo de estudio y referencia. Las obras de Vargas, poéticas, bellas,  profundas son montadas no solo por el grupo sino también por grupos escénicos de todo el continente. Charo Francés cofundadora del grupo, actriz fuera de serie y maestra española formó a decenas de actores; verlos juntos en escena es un deleite y tenerlos en el FEDM, garantía del mejor de los teatro, en Cuenquita. Metieron también su buena mano en el cine ecuatoriano, por ejemplo en “ Tigra” y en “Entre Marx y Una Mujer Desnuda” recordamos. La primera vez los vi hace por allí unos 43 años!!! Con “ROBINSON CRUSOE”; el personaje “ Viernes” lo encarnaba el Michelena, también rememoramos. Esa obra una de las primeras en mi memoria junto a los “vendedores de milagros” charlatanes de mercados y de ferias o del septenario, marcaron el inicio de mi gusto por el teatro. Juan Andrade Escenarios del Mundo “Instrucciones para abrazar al aire» Va de las abuelas de la plaza de mayo y de las nietas. Tres escenas que se suceden en temporalidades diferentes, pero poco a poco se van integrando en un tiempo y un espacio común:  Ciudad de la Plata, Argentina, en 1976, dos ancianos se preguntan por una niña perdida en el tiempo. 2. Una pareja de cocineros preparan conejos al escabeche, su lucidez está a la altura del caos que organizan, hacen referencia a la niña que juega en el patio de la casa, es más, ellos parecieran haber salido de la imaginación de esa niña.  Frente a la casa dos vecinos temerosos y llenos de prejuicios también ven a la niña que juega.   En todos se despertará una enfermiza necesidad de olvidar. De Arístides Vargas Intérpretes Charo Francés y Arístides Vargas Dirección Arístides Vargas, Charo Francés, Gerson Guerra Iluminación Gerson Guerra

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Una de las imperdibles del Festival Internacional Escenarios del Mundo

Presentación

Cuenca, 8 de octubre 2023

Lugar

Teatro Pumapungo 20:00

Entradas

Desde septiembre, en Librimundi y online por meet2go.

Malayerba es malayerba

Fundado en Quito en 1980 por artistas de diferentes latitudes, incluyendo por supuesto Ecuador, presentaron decenas de obras memorables en festivales y teatros, portando el nombre del país y de la escena ecuatoriana de manera fantástica, desde hace todo ese tiempo. Hicieron escuela, hicieron historia, formaron profesionales, interpretaron grandes textos de Brecht, de Valle Inclán, de Jarrid, de Buckner, de Lorca, del mismisimo Cervantes, del premio nobel Gunter Grass, de nuestro genial Pablo Palacio, entre otros; siempre reinterpretándolos y recreándolos con gran libertad e inmensa creatividad y desde su particular lectura que se fue convirtiendo en el estilo y sello Malayerba.

 

Otra etapa de crecimiento gigante de Malayerba ocurre a partir de la consolidación de montajes con textos de su propio director Arístides Vargas. Tras décadas de trabajo Arístides Vargas se constituyó en uno de los más reconocidos dramaturgos, directores y hombre de teatro de América Latina, motivo de estudio y referencia. Las obras de Vargas, poéticas, bellas,  profundas son montadas no solo por el grupo sino también por grupos escénicos de todo el continente. Charo Francés cofundadora del grupo, actriz fuera de serie y maestra española formó a decenas de actores; verlos juntos en escena es un deleite y tenerlos en el FEDM, garantía del mejor de los teatro, en Cuenquita.

Metieron también su buena mano en el cine ecuatoriano, por ejemplo en “ Tigra” y en “Entre Marx y Una Mujer Desnuda” recordamos.

La primera vez los vi hace por allí unos 43 años!!! Con “ROBINSON CRUSOE”; el personaje “ Viernes” lo encarnaba el Michelena, también rememoramos. Esa obra una de las primeras en mi memoria junto a los “vendedores de milagros” charlatanes de mercados y de ferias o del septenario, marcaron el inicio de mi gusto por el teatro.

Juan Andrade

Escenarios del Mundo

“Instrucciones para abrazar al aire"

Va de las abuelas de la plaza de mayo y de las nietas. Tres escenas que se suceden en temporalidades diferentes, pero poco a poco se van integrando en un tiempo y un espacio común:  Ciudad de la Plata, Argentina, en 1976, dos ancianos se preguntan por una niña perdida en el tiempo. 2. Una pareja de cocineros preparan conejos al escabeche, su lucidez está a la altura del caos que organizan, hacen referencia a la niña que juega en el patio de la casa, es más, ellos parecieran haber salido de la imaginación de esa niña.  Frente a la casa dos vecinos temerosos y llenos de prejuicios también ven a la niña que juega.

 

En todos se despertará una enfermiza necesidad de olvidar.

De

Arístides Vargas

Intérpretes

Charo Francés y Arístides Vargas

Dirección

Arístides Vargas, Charo Francés, Gerson Guerra

Iluminación

Gerson Guerra

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]]> https://escenariosdelmundo.com/instrucciones-para-abrazar-al-aire/feed/ 0 ¿Quién es el hombre muerto a puntapiés? https://escenariosdelmundo.com/quien-es-el-hombre-muerto-a-puntapies/ https://escenariosdelmundo.com/quien-es-el-hombre-muerto-a-puntapies/#respond Wed, 23 Aug 2023 21:47:38 +0000 https://escenariosdelmundo.com/?p=1892 Escenarios del Mundo, festival Internacional de Cuenca, ya desde hace 17 años propone en su condumio, a la vez que el acceso del público a artes escénicas significativas de alta calidad, un encuentro – diálogo enriquecedor y gozoso en torno al teatro, a la danza, al nuevo circo, al clown y en general alrededor de las artes escénicas. Encuentro de lo local con lo nacional y con lo global, encuentro del público con múltiples realidades vigentes, conducido desde la mirada de la creatividad y el talento, encuentro de los artistas con la ciudad llamada a sostener apasionadamente su identidad de ciudad de artes y cultura. La participación local, cuencana, de esta concurrencia es para nosotros siempre motivo de emoción y motivación; también lo tomamos como una responsabilidad, con avidez de que la producción local vaya bien en el conjunto de la programación y los geniales espectáculos que han llegado por estos lares. Y si, han acudido a este diálogo grandes trabajos cuencanos que nos han representado muy bien. Se nos vienen a la mente los trabajos de Cacho Gallegos, de Santiago Baculima y su Teatrobando, de Clowndestinos, de Teatro del Cielo, de la genial “Cuando Llegue Rosa” de Teatro de Las Entrañas; hemos programado trabajos de las 2 universidades que ofrecen en Cuenca la carrera de artes escénicas con sendas presentaciones de teatro y de danza, hemos programado circo, títeres y música cuencana, hemos hecho funciones en reconocimiento a Juana Estrella que presentó “Monólogo de La Escoba” y al Pancho Aguirre con “El Loco”, han participado Teatro Brujo, Barojo, teatro Harapos, Ubu Teatro, Tecla, Teatro Pie, Danza en la Calle, Lumiere Danza, Gravite Zero, Gotas Mágicas, Choquilla Durán, Hijos del Sur, Zebra Circo, el grupo musical De Raíz, la Bandada de la Madre y la Tomebanda, entre otros. Este año 2023, en medio de la crisis que vive el país, de las dificultades de siempre por financiar el festival pese a su trabajo y su aporte de 17 años (que no han impedido tenga lugar de alguna manera mágica) vamos con todo; la representación cuencana también nos alegra. Circo Pan y Guineo con Caetano León y Amanda Lituma, después de una larga instancia formativa en Argentina (estos chicos del circo siempre se están capacitando y se la toman muy en serio) más su rica experiencia de circulación y exposición frente a esos públicos, estrenarán en Cuenca su espectáculo DESEQUILIBRA; orgullosos no solo por la maduración y crecimiento exponencial de sus habilidades escénicas, sino también por la incorporación a su trabajo de escenografía y vestuarios más trabajados y tallados. De Cuenca también estará el espectáculo del género impro FULANOS DE TAL, van los Triciclos Escénicos por la calle, con Magno Pacheco, va el grupo musical los Locos del Ritmo sobre cuya trayectoria emblemática de la cuencanidad ya habrá oportunidad de atestiguar con más detalle; y finalmente va la obra que consideramos el estreno cuencano presencial del año: ¿QUIÉN ES EL HOMBRE MUERTO A PUNTAPIES? Colectivo ART EXPERIENCE Esta obra, adaptación del cuento «Un hombre muerto a puntapiés» del adelantado y fenomenal Pablo Palacio, ha sido varias veces llevada al teatro, al audiovisual e inclusive al cómic. Su estructura compleja, una historia dentro de otra, un texto dentro de otro, en donde el propio autor va construyendo hipótesis policíacas que ironizan la realidad de manera fascinante y debeladora; saliéndose de los cánones del costumbrismo y del realismo social hasta la hipérbole. ¿QUIÉN ES EL HOMBRE MUERTO A PUNTAPIÉS? a la cuencana: En medio del comedor de una oscura fonducha, ocurre un crimen que desencadena en una serie de obsesiones por parte de una pareja de aficionados a la investigación, Francisco Llantu y Paca, quienes emprenden el trabajo de averiguar cómo, porqué y quién mató a un individuo de manera tan ridícula. La investigación convertirá al público en cómplice del crimen. Género Thriller expresionista policiaco Dirección Mateo Salazar Intérpretes – creadores Damián Albornoz y Gabriela Pauta Dramaturgia Damián Albornoz Diseño de escenografía y máscaras Ana Crespo Vestuario Mímesis

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Escenarios del Mundo, festival Internacional de Cuenca, ya desde hace 17 años propone en su condumio, a la vez que el acceso del público a artes escénicas significativas de alta calidad, un encuentro – diálogo enriquecedor y gozoso en torno al teatro, a la danza, al nuevo circo, al clown y en general alrededor de las artes escénicas.

 

Encuentro de lo local con lo nacional y con lo global, encuentro del público con múltiples realidades vigentes, conducido desde la mirada de la creatividad y el talento, encuentro de los artistas con la ciudad llamada a sostener apasionadamente su identidad de ciudad de artes y cultura.

La participación local, cuencana, de esta concurrencia es para nosotros siempre motivo de emoción y motivación; también lo tomamos como una responsabilidad, con avidez de que la producción local vaya bien en el conjunto de la programación y los geniales espectáculos que han llegado por estos lares.

 Y si, han acudido a este diálogo grandes trabajos cuencanos que nos han representado muy bien. Se nos vienen a la mente los trabajos de Cacho Gallegos, de Santiago Baculima y su Teatrobando, de Clowndestinos, de Teatro del Cielo, de la genial “Cuando Llegue Rosa” de Teatro de Las Entrañas; hemos programado trabajos de las 2 universidades que ofrecen en Cuenca la carrera de artes escénicas con sendas presentaciones de teatro y de danza, hemos programado circo, títeres y música cuencana, hemos hecho funciones en reconocimiento a Juana Estrella que presentó “Monólogo de La Escoba” y al Pancho Aguirre con “El Loco”, han participado Teatro Brujo, Barojo, teatro Harapos, Ubu Teatro, Tecla, Teatro Pie, Danza en la Calle, Lumiere Danza, Gravite Zero, Gotas Mágicas, Choquilla Durán, Hijos del Sur, Zebra Circo, el grupo musical De Raíz, la Bandada de la Madre y la Tomebanda, entre otros.

 

Este año 2023, en medio de la crisis que vive el país, de las dificultades de siempre por financiar el festival pese a su trabajo y su aporte de 17 años (que no han impedido tenga lugar de alguna manera mágica) vamos con todo; la representación cuencana también nos alegra. Circo Pan y Guineo con Caetano León y Amanda Lituma, después de una larga instancia formativa en Argentina (estos chicos del circo siempre se están capacitando y se la toman muy en serio) más su rica experiencia de circulación y exposición frente a esos públicos, estrenarán en Cuenca su espectáculo DESEQUILIBRA; orgullosos no solo por la maduración y crecimiento exponencial de sus habilidades escénicas, sino también por la incorporación a su trabajo de escenografía y vestuarios más trabajados y tallados. De Cuenca también estará el espectáculo del género impro FULANOS DE TAL, van los Triciclos Escénicos por la calle, con Magno Pacheco, va el grupo musical los Locos del Ritmo sobre cuya trayectoria emblemática de la cuencanidad ya habrá oportunidad de atestiguar con más detalle; y finalmente va la obra que consideramos el estreno cuencano presencial del año:

¿QUIÉN ES EL HOMBRE MUERTO A PUNTAPIES?

Colectivo ART EXPERIENCE

Esta obra, adaptación del cuento «Un hombre muerto a puntapiés» del adelantado y fenomenal Pablo Palacio, ha sido varias veces llevada al teatro, al audiovisual e inclusive al cómic. Su estructura compleja, una historia dentro de otra, un texto dentro de otro, en donde el propio autor va construyendo hipótesis policíacas que ironizan la realidad de manera fascinante y debeladora; saliéndose de los cánones del costumbrismo y del realismo social hasta la hipérbole.

¿QUIÉN ES EL HOMBRE MUERTO A PUNTAPIÉS? a la cuencana: En medio del comedor de una oscura fonducha, ocurre un crimen que desencadena en una serie de obsesiones por parte de una pareja de aficionados a la investigación, Francisco Llantu y Paca, quienes emprenden el trabajo de averiguar cómo, porqué y quién mató a un individuo de manera tan ridícula. La investigación convertirá al público en cómplice del crimen.

Género

Thriller expresionista policiaco

Dirección

Mateo Salazar

Intérpretes – creadores

Damián Albornoz y Gabriela Pauta

Dramaturgia

Damián Albornoz

Diseño de escenografía y máscaras

Ana Crespo

Vestuario

Mímesis

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